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Animationsvideo – eine Definition
Ein Animationsvideo ist ein dynamisches Medium, in dem Bilder oder Objekte manipuliert werden, um als bewegte Bilder zu erscheinen. In der traditionellen Animation wurden die Bilder per Hand auf Cels gezeichnet (oder gemalt), um sie auf Film zu fotografieren und zu zeigen. Heutzutage werden die meisten Animationen mit computergenerierten Bildern (CGI) erstellt. Computeranimation kann sehr detaillierte 3D-Animation sein, während 2D-Computeranimation aus stilistischen Gründen, wegen niedriger Bandbreite oder schnellerer Echtzeitrendering verwendet werden kann. Andere gebräuchliche Animationsmethoden wenden eine Stop-Motion-Technik auf zwei- und dreidimensionale Objekte an, wie Papierausschnitte, Puppen oder Tonfiguren. Die Stop-Motion-Technik, bei der Live-Darsteller als Bild-für-Bild-Subjekt verwendet werden, wird als Pixilation bezeichnet.
Gewöhnlich wird der Effekt der Animation durch eine schnelle Abfolge aufeinanderfolgender Bilder erreicht, die sich minimal voneinander unterscheiden. Es wird angenommen, dass die Illusion – wie in Filmen allgemein – auf dem Phi-Phänomen und der Beta-Bewegung beruht, aber die genauen Ursachen sind noch unsicher. Analoge mechanische Animationsmedien, die auf der schnellen Anzeige sequentieller Bilder beruhen, umfassen Phanakiscope, Zoetrop, Daumenkino, Praxinoskop und Film. Fernsehen und Video sind beliebte elektronische Animationsmedien, die ursprünglich analog waren und nun digital arbeiten. Zur Darstellung auf dem Computer wurden Techniken wie animierte GIF- und Flash-Animation entwickelt.
Neben Kurzfilmen, Spielfilmen, animierten Gifs und anderen Medien, die den bewegten Bildern gewidmet sind, wird die Animation auch für Videospiele, Motion Graphics und Spezialeffekte verwendet.
Die physische Bewegung von Bildteilen durch einfache Mechanik, zum Beispiel die bewegten Bilder in magischen Laternen, kann ebenfalls als Animation betrachtet werden. Die mechanische Animation von tatsächlichen Robotergeräten wird als Animatronics bezeichnet.
Animatoren sind Künstler, die sich auf die Erstellung von Animationen spezialisiert haben.
Etymologie – Animationsvideo
Das Wort „Animation“ stammt aus dem lateinischen „animationem“ (Nominativ „animatio“), Substantiv der Aktion aus Partizip Stamm der „animare“, was „die Aktion der Vermittlung von Leben“ bedeutet. Die primäre Bedeutung des englischen Wortes ist „Lebhaftigkeit“ und wurde viel länger verwendet als die Bedeutung von „Bewegtbild-Medium“.
Geschichte – Animationsvideo
Eine Phenakistoskopscheibe von Eadweard Muybridge (1893)
Die Geschichte der Animation begann lange vor der Entwicklung der Kinematografie. Die Menschen haben wahrscheinlich versucht, Bewegung schon in der Altsteinzeit darzustellen. Schattenspiel und die magische Laterne boten populäre Shows mit bewegten Bildern als Ergebnis der Manipulation von Hand und / oder einiger kleiner Mechaniker an. Im Jahr 1833 führte das Phenakistiskop das stroboskopische Prinzip der modernen Animation ein, das auch die Grundlage für das Zoetrop (1866), das Daumenkino (1868), das Praxinoskop (1877) und die Kinematographie bildete.
Ein projiziertes Praxinoskop, 1882, hier überlagert eine animierte Figur auf einer separat projizierten Hintergrundszene
Charles-Émile Reynaud entwickelte sein Projektions-Praxinoskop mit transparenten handgemalten bunten Bildern in einem langen perforierten Streifen zwischen zwei Spulen, patentiert im Dezember 1888, zum Théâtre Optique. Vom 28. Oktober 1892 bis zum März 1900 gab Reynaud insgesamt über 12.800 Ausstellungen von über 500.000 Besuchern im Musée Grévin in Paris. Seine Pantomimes Lumineuses Animationsfilme enthielten jeweils 300 bis 700 Bilder, die jeweils 10 bis 15 Minuten pro Film bearbeitet wurden. Klaviermusik, Gesang und einige Dialoge wurden live aufgeführt, während einige Soundeffekte mit einem Elektromagneten synchronisiert wurden.
Als Film ein verbreitetes Medium wurde, fügten einige Hersteller von optischen Spielzeugen kleine magische Laternen in Spielzeugfilmprojektoren für kurze Filmschleifen ein. Um 1902 produzierten sie viele Chromolithographie-Film-Loops, in der Regel durch Live-Action-Filmaufnahmen (ähnlich der späteren Rotoskopie-Technik).
Einige frühe Filmemacher, darunter J. Stuart Blackton, Arthur Melbourne-Cooper, Segundo de Chomón und Edwin S. Porter, experimentierten mit Stop-Motion-Animation möglicherweise seit etwa 1899. Blacktons The Haunted Hotel (1907) war der erste große Erfolg, der das Publikum verblüffte mit Objekten, die sich offensichtlich selbst bewegten und andere Filmemacher dazu inspirierten, die Technik für sich selbst auszuprobieren.
J. Stuart Blackton experimentierte auch mit Animationen, die auf Tafeln gezeichnet wurden, und einigen Ausschnittsanimationen in Humorous Phases of Funny Faces (1906).
Der älteste bekannte Animationsfilm, der mithilfe der sogenannten traditionellen (handgezeichneten) Animation entstand, ist die Fantasmagorie aus dem Jahr 1908 von Emile Cohl
1908 wurde Émile Cohls Fantasmagorie mit einer weiß-schwarzen Kreidelinie veröffentlicht, die mit Negativabzügen aus schwarzen Tuschezeichnungen auf weißem Papier erstellt wurde. Der Film besteht größtenteils aus einem Strichmännchen, das sich bewegt und auf alle Arten von Morphing-Objekten trifft, darunter eine Weinflasche, die sich in eine Blume verwandelt.
Inspiriert von Émile Cohls Stop-Motion-Film Les allumettes animées (1908) begann Ladislas Starevich 1910, seine einflussreichen Puppenanimationen zu machen.
Winsor McCays Little Nemo (1911) zeigte sehr detaillierte Zeichnungen. Seine Gertie the Dinosaur (1914) war ebenfalls ein frühes Beispiel für Charakterentwicklung in Zeichentrickfilmen.
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Charlie in der Türkei (1916), ein Animationsfilm von Pat Sullivan für die Keen Cartoon Corporation.
Während der 1910er Jahre wurde die Produktion von Zeichentrick-Kurzfilmen, die üblicherweise als „Cartoons“ bezeichnet werden, zu einer eigenen Industrie und es wurden Cartoon-Kurzfilme produziert, die in Kinos gezeigt wurden. Der erfolgreichste Produzent war zu dieser Zeit John Randolph Bray, der zusammen mit Animator Earl Hurd den Cel-Animationsprozess patentierte, der die Animationsindustrie für den Rest des Jahrzehnts dominierte.
Der italienisch-argentinische Karikaturist Quirino Cristiani zeigte die geschnittene und artikulierte Figur seines satirischen Charakters El Peludo (basierend auf Präsident Yrigoyen), der 1916 für die Realisierung seiner Filme patentiert wurde, darunter der weltweit erste animierte Spielfilm El Apóstol.
El Apóstol (spanisch: „Der Apostel“) war ein argentinischer Animationsfilm aus dem Jahr 1917, der Ausschnittsanimationen und den ersten animierten Spielfilm der Welt verwendete. Unglücklicherweise verbrannte ein Feuer, das das Filmstudio des Produzenten Federico Valle zerstörte, die einzige bekannte Kopie von El Apóstol, und es gilt jetzt als verloren.
Der erste Kurzfilm, der komplett mit Technicolor (mit rot-grün-blauen Fotofiltern und drei Filmstreifen) erstellt wurde, war 1932 Walt Disneys „Flowers and Trees“ von Burt Gillett. Aber der erste Spielfilm, der mit dieser Technik gemacht wurde, war, abgesehen von dem Film The Vanities Fair (1935) von Rouben Mamoulian, „Snow White and the Seven Dwarfs“, ebenfalls von Walt Disney.
Im Jahr 1958 veröffentlichte Hanna-Barbera die Huckleberry Hound Show, die erste halbstündige Fernsehsendung nur in Animation. Terrytoons veröffentlichte Tom Terrific noch im selben Jahr. Fernsehen hat die öffentliche Aufmerksamkeit auf die animierten Kurzfilme deutlich reduziert, die in Theatern gezeigt werden.
Computeranimation ist seit Toy Story (1995) populär geworden, dem ersten Animationsfilm in Spielfilmlänge, der vollständig mit dieser Technik hergestellt wurde.
Im Jahr 2008 hatte der Animationsmarkt einen Wert von 68,4 Milliarden US-Dollar. Animation als Kunst und Industrie entwickelt sich ab Mitte der 1960er Jahre weiter, weil gut gemachte animierte Projekte ein Publikum über Grenzen und in allen vier Quadranten finden können. Animierte Langfilme erzielten im Zeitraum 2004-2013 die höchsten Bruttomargen (rund 52%) aller Filmgenres.
Techniken – Animationsvideo
Traditionelle Animation – Animationsvideo
Ein Beispiel für traditionelle Animation, ein Pferd, das durch Rotoskopien von Eadweard Muybridges Fotografien aus dem 19. Jahrhundert animiert wurde
Traditionelle Animation (auch Cel-Animation oder handgezeichnete Animation genannt) war der Prozess, der für die meisten Animationsfilme des 20. Jahrhunderts verwendet wurde. Die einzelnen Bilder eines traditionell animierten Films sind Fotografien von Zeichnungen, die zuerst auf Papier gezeichnet wurden. Um die Illusion der Bewegung zu erzeugen, unterscheidet sich jede Zeichnung geringfügig von der vorherigen. Die Zeichnungen der Trickfilmzeichner werden auf transparente Acetatplatten, die Cels genannt werden, nachgezeichnet oder photokopiert, die mit Farben in zugewiesenen Farben oder Tönen auf der den Strichzeichnungen gegenüberliegenden Seite ausgefüllt sind. Die fertigen Charakter-Cels werden einzeln gegen einen gemalten Hintergrund von einer Rostrum-Kamera auf einen Kinofilm aufgenommen.
Der traditionelle Cel-Animationsprozess wurde zu Beginn des 21. Jahrhunderts obsolet. Heute werden die Zeichnungen und die Hintergründe der Animatoren entweder direkt in ein Computersystem gescannt oder direkt in einem Computersystem gezeichnet. Verschiedene Softwareprogramme werden verwendet, um die Zeichnungen zu färben und Kamerabewegungen und -effekte zu simulieren. Das fertige animierte Stück wird auf eines von mehreren Liefermedien ausgegeben, darunter traditioneller 35-mm-Film und neuere Medien mit digitalem Animationsvideo. Das „Aussehen“ der traditionellen Celanimation ist noch immer erhalten, und die Arbeit der Charakterzeichner ist in den letzten 70 Jahren im Wesentlichen gleich geblieben. Einige Animations-Produzenten haben den Begriff „tradigital“ (ein Spiel über die Wörter „traditionell“ und „digital“) verwendet, um Cel-Animationen zu beschreiben, die eine signifikante Computertechnologie verwenden.
Beispiele für traditionell animierte Spielfilme sind Pinocchio (USA, 1940), Animal Farm (Vereinigtes Königreich, 1954) und The Illusionist (British-French, 2010). Traditionell animierte Filme, die mit Hilfe von Computertechnologie produziert wurden, sind der König der Löwen (USA, 1994), Der Prinz von Ägypten (USA, 1998), Akira (Japan, 1988), Chihiros (Japan, 2001), Die Drillinge von Belleville (Frankreich, 2003) und Das Geheimnis von Kells (Irisch-Französisch-Belgisch, 2009).
Vollständige Animation – Animationsvideo
Vollständige Animation bezieht sich auf den Prozess der Produktion von qualitativ hochwertigen traditionell animierten Filmen, die regelmäßig detaillierte Zeichnungen und plausible Bewegung verwenden, mit einer glatten Animation. Vollständig animierte Filme können in einer Vielzahl von Stilen hergestellt werden, von realistischeren, animierten Arbeiten, wie sie vom Walt Disney Studio (Die kleine Meerjungfrau, Die Schöne und das Biest, Aladdin, Der König der Löwen) bis hin zu den „Cartoon“ -Stilen des Warner Bros. Animationsstudio. Viele der animierten Features von Disney sind Beispiele für vollständige Animationen, ebenso wie Nicht-Disney-Arbeiten, The Secret of NIMH (USA, 1982), The Iron Giant (USA, 1999) und Nocturna (Spanien, 2007). Voll animierte Filme werden mit 24 Bildern pro Sekunde animiert, mit einer Kombination von Animationen auf Einsen und Zweien, was bedeutet, dass Zeichnungen für einen Frame aus 24 oder zwei Frames von 24 gehalten werden können.
Begrenzte Animation – Animations Video
Begrenzte Animation beinhaltet die Verwendung von weniger detaillierten oder stilisierten Zeichnungen und Methoden der Bewegung in der Regel eine abgehackte oder „skippy“ Bewegung Animation. Begrenzte Animation verwendet weniger Zeichnungen pro Sekunde, wodurch die Fließfähigkeit der Animation eingeschränkt wird. Dies ist eine wirtschaftlichere Technik. Die von den Künstlern des amerikanischen Studios United Productions of America vorgestellte limitierte Animation kann als Methode des stilisierten künstlerischen Ausdrucks verwendet werden, wie in Gerald McBoing-Boing (USA, 1951), Yellow Submarine (UK, 1968) und bestimmte Anime, die in Japan produziert wurden. Seine hauptsächliche Verwendung bestand jedoch darin, kosteneffektive animierte Inhalte für Medien für das Fernsehen (die Arbeit von Hanna-Barbera, Filmation und andere Fernsehanimationsstudios ) und später das Internet (Web Karikaturen).
Rotoskopieren – Animationsvideo
Rotoscoping ist eine von Max Fleischer 1917 patentierte Technik, bei der Trickfilmzeichner Bild für Bild Live-Action-Bewegungen nachzeichnen. Der Quellfilm kann direkt von den Umrissen der Darsteller in animierte Zeichnungen kopiert werden, wie in Der Herr der Ringe (USA, 1978), oder stilisiert und ausdrucksvoll verwendet werden, wie in Waking Life (USA, 2001) und Ein Scanner dunkel (USA, 2006). Einige andere Beispiele sind Fire and Ice (USA, 1983), Heavy Metal (1981) und Aku no Hana (2013).
Live-Action / Animation – Animationsvideo
Hauptartikel: Filme mit Live-Action und Animation
Live-Action / Animation ist eine Technik, bei der von Hand gezeichnete Charaktere zu Live-Action-Shots oder Live-Action-Darstellern in animierte Einstellungen kombiniert werden. Einer der früheren Verwendungen war in Koko der Clown, als Koko über Live-Action-Aufnahmen gezeichnet wurde. Weitere Beispiele sind Wer hat Roger Rabbit (USA, 1988), Space Jam (USA, 1996) und Osmosis Jones (USA, 2001) gerahmt.
Stop-Motion-Animation – Animationsvideo
Stop-Motion-Animation wird verwendet, um Animationen zu beschreiben, die durch physische Manipulation von Objekten in der realen Welt und gleichzeitiges Aufnehmen von einem Filmbild erstellt werden, um die Illusion von Bewegung zu erzeugen. Es gibt viele verschiedene Arten von Stop-Motion-Animationen, die normalerweise nach dem Medium benannt sind, mit dem die Animation erstellt wurde. Computer-Software ist weit verbreitet, um diese Art von Animation zu erstellen; traditionelle Stop-Motion-Animationen sind in der Regel kostengünstiger, aber zeitaufwendiger als aktuelle Computeranimationen.
Bei der Puppenanimation handelt es sich in der Regel um Stop-Motion-Marionettenfiguren, die in einer konstruierten Umgebung interagieren, im Gegensatz zur realen Interaktion in der Modellanimation. Die Marionetten haben im Allgemeinen eine Armatur in ihnen, um sie ruhig und ruhig zu halten, um ihre Bewegung auf bestimmte Gelenke zu beschränken. Beispiele sind „Die Geschichte des Fuchses“ (Frankreich, 1937), „Der Alptraum vor Weihnachten“ (USA, 1993), Corpse Bride (USA, 2005), Coraline (USA, 2009), die Filme von Jiří Trnka und die Zeichentrickkomödie für Erwachsene Fernsehserie Robot Chicken (USA, 2005-heute).
Puppetoon, geschaffen unter Verwendung von Techniken, die von George Pal entwickelt wurden, sind Puppen-animierte Filme, die typischerweise eine andere Version einer Puppe für unterschiedliche Rahmen verwenden, anstatt einfach nur eine existierende Puppe zu manipulieren.
Eine Tonanimationsszene von einem finnischen Fernsehwerbung
Tonanimation oder Plasticine-Animation (oft als „Clayymation“ bezeichnet, was jedoch ein markenrechtlich geschützter Name ist) verwendet Figuren aus Ton oder einem ähnlichen formbaren Material, um eine Stop-Motion-Animation zu erzeugen. Die Figuren können innen einen Anker oder einen Drahtrahmen haben, ähnlich der zugehörigen Puppenanimation (unten), die manipuliert werden kann, um die Figuren zu posieren. Alternativ können die Figuren in den Filmen von Bruce Bickford komplett aus Ton gemacht werden, wo sich Tonkreaturen in eine Vielzahl von verschiedenen Formen verwandeln. Beispiele für Ton-animierte Werke sind The Gumby Show (USA, 1957-1967), Mio Mao (Italien, 1974-2005), Morph Shorts (UK, 1977-2000), Wallace und Gromit Shorts (UK, ab 1989), Jan Švankmajers Dimensionen des Dialogs (Tschechoslowakei, 1982), The Trap Door (UK, 1984). Filme umfassen Wallace & Gromit: Der Fluch des Wer-Hasen, Chicken Run und die Abenteuer von Mark Twain.
Strata-Schnitt-Animation, Strata-Schnitt-Animation ist am häufigsten eine Form der Ton-Animation, in der ein langes Brot-wie „Laib“ aus Ton, innen dicht gepackt und mit unterschiedlichen Bildern geladen, in dünne Blätter geschnitten wird, mit der Animation Kamera ein Rahmen des Endes des Laibs für jeden Schnitt, der schließlich die Bewegung der inneren Bilder in sich aufdeckt.
Die Ausschnittsanimation ist eine Art von Stop-Motion-Animation, die durch das Bewegen von zweidimensionalen Materialstücken aus Papier oder Stoff erzeugt wird. Beispiele sind Terry Gilliams animierte Sequenzen aus Monty Pythons Flying Circus (UK, 1969-1974); Fantastischer Planet (Frankreich / Tschechoslowakei, 1973); Tale of Tales (Russland, 1979), Die Pilotfolge der erwachsenen Fernsehserie Sitcom (und manchmal in Episoden) von South Park (USA, 1997) und das Musikvideo Live für den Moment, von Verona Riots Band (produziert von Alberto Serrano und Nívola Uyá, Spanien 2014).
Die Silhouettenanimation ist eine Variante der Ausschnittanimation, bei der die Charaktere hinterleuchtet und nur als Silhouetten sichtbar sind. Beispiele sind die Abenteuer von Prinz Achmed (Weimarer Republik, 1926) und Princes et Prinzessinnen (Frankreich, 2000).
Modellanimation bezieht sich auf Stop-Motion-Animation, die erstellt wurde, um mit einer Live-Action-Welt zu interagieren und als Teil davon zu existieren. Intercutting, Matte-Effekte und Split-Screens werden oft verwendet, um Stop-Motion-Charaktere oder Objekte mit Live-Darstellern und Einstellungen zu mischen. Beispiele sind die Arbeiten von Ray Harryhausen, wie sie in Filmen zu sehen sind, Jason und die Argonauten (1963), und das Werk von Willis H. O’Brien in Filmen, King Kong (1933).
Go-Motion ist eine Variante der Modellanimation, bei der verschiedene Techniken verwendet werden, um Bewegungsunschärfe zwischen Filmrahmen zu erzeugen, die in herkömmlichen Stop-Motion-Szenen nicht vorhanden ist. Die Technik wurde von Industrial Light & Magic und Phil Tippett erfunden, um Spezialeffekte für den Film The Empire Strikes Back (1980) zu kreieren. Ein weiteres Beispiel ist der Drache namens „Vermithrax“ aus Dragonslayer (Film 1981).
Objektanimation bezieht sich auf die Verwendung von regulären unbelebten Objekten in Stop-Motion-Animationen, im Gegensatz zu speziell erstellten Objekten.
Grafische Animation verwendet nicht gezeichnetes flaches visuelles Grafikmaterial (Fotografien, Zeitungsausschnitte, Zeitschriften usw.), die manchmal Frame für Frame manipuliert werden, um Bewegung zu erzeugen. Zu anderen Zeiten bleiben die Grafiken stationär, während die Stop-Motion-Kamera bewegt wird, um eine Bildschirm-Aktion zu erzeugen.
Brickfilm ist ein Subgenre der Objektanimation, bei dem Lego oder andere ähnliche Ziegelspielzeuge für eine Animation verwendet werden. Diese haben mit dem Aufkommen von Video-Sharing-Sites, YouTube und der Verfügbarkeit von billigen Kameras und Animations-Software einen neuen Aufschwung erfahren.
Pixilation beinhaltet die Verwendung von lebenden Menschen als Stop-Motion-Zeichen. Dies ermöglicht eine Reihe von surrealen Effekten, einschließlich Verschwinden und Wiederauftauchen, die es den Menschen ermöglichen, über den Boden zu rutschen, und andere Effekte. Beispiele für Pixilation sind The Secret Adventures von Tom Thumb und Angry Kid Shorts.
Computeranimation – Animationsvideo
Computeranimation umfasst eine Vielzahl von Techniken, wobei der vereinheitlichende Faktor darin besteht, dass die Animation digital auf einem Computer erzeugt wird. 2D-Animationstechniken neigen dazu, sich auf Bildmanipulationen zu konzentrieren, während 3D-Techniken normalerweise virtuelle Welten aufbauen, in denen sich Charaktere und Objekte bewegen und interagieren. 3D-Animation kann Bilder erzeugen, die dem Betrachter real erscheinen.
2D Animation – Animations Video
Eine 2D-Animation von zwei Kreisen, die durch eine Kette verbunden sind
2D-Animationsfiguren werden auf dem Computer mit 2D-Bitmap-Grafiken und 2D-Vektorgrafiken erstellt oder bearbeitet. Dies beinhaltet automatisierte computerisierte Versionen traditioneller Animationstechniken, interpoliertes Morphing, Zwiebelhaut und interpoliertes Rotoskopieren.
2D-Animation hat viele Anwendungen, einschließlich analoger Computeranimation, Flash-Animation und PowerPoint-Animation. Cinemagraphs sind noch Fotografien in Form einer animierten GIF-Datei, deren Teil animiert ist.
Die Animation der Endlinienadvektion ist eine Technik, die in der 2D-Animation verwendet wird, um Künstlern und Animatoren mehr Einfluss und Kontrolle über das Endprodukt zu geben, da alles innerhalb derselben Abteilung durchgeführt wird. John Kahrs sagte in seinem Vortrag über die Verwendung dieses Ansatzes in Paperman: „Unsere Animateure können Dinge verändern, die CG-Unterschicht tatsächlich auslöschen, wenn sie wollen, und das Profil des Arms verändern.“
3D-Animation – Animationsvideo
3D-Animation wird von einem Animator digital modelliert und manipuliert. Der Animator erstellt normalerweise ein 3D-Polygonnetz, um es zu manipulieren. Ein Gitter enthält in der Regel viele Eckpunkte, die durch Kanten und Flächen verbunden sind, die einem 3D-Objekt oder einer 3D-Umgebung die visuelle Form verleihen. Manchmal erhält das Gitter eine interne digitale Skelettstruktur, die als Anker bezeichnet wird und mit der das Gitter durch Gewichtung der Ecken kontrolliert werden kann. Dieser Prozess wird Rigging genannt und kann in Verbindung mit Keyframes verwendet werden, um Bewegung zu erzeugen.
Andere Techniken können angewendet werden, mathematische Funktionen (z. B. Gravitation, Partikelsimulationen), simuliertes Fell oder Haar und Effekte, Feuer- und Wassersimulationen. Diese Techniken fallen in die Kategorie der 3D-Dynamik.
3D-Begriffe – Animationsvideo
Cel-Shading-Animationen werden verwendet, um traditionelle Animationen mit Computersoftware nachzuahmen. Shading sieht stark aus, mit weniger Farbmischung. Beispiele sind Skyland (2007, Frankreich), The Iron Giant (1999, USA), Futurama (Fox, 1999) Appleseed Ex Machina (2007, Japan), Die Legende von Zelda: The Wind Waker (2002, Japan), The Legend von Zelda: Atem der Wildnis (2017, Japan)
Machinima – Filme, die durch Bildschirmaufnahmen in Videospielen und virtuellen Welten erstellt wurden. Der Begriff entstand aus der Einführung der Software in der Demoszene der 1980er Jahre sowie den Aufnahmen des First-Person-Shooter-Videospiels Quake aus den 1990er Jahren.
Bewegungserfassung wird verwendet, wenn Live-Action-Darsteller spezielle Anzüge tragen, mit denen Computer ihre Bewegungen in CG-Charaktere kopieren können. Beispiele dafür sind Polar Express (2004, USA), Beowulf (2007, USA), A Christmas Carol (2009, USA), The Adventures of Tintin (2011, USA) kochadiiyan (2014, Indien).
Fotorealistische Animation wird hauptsächlich für Animationen verwendet, die dem realen Leben zu ähneln versuchen. Dabei wird ein fortschrittliches Rendering verwendet, das detailliert Haut, Pflanzen, Wasser, Feuer, Wolken usw. nachahmt. Beispiele hierfür sind Up (2009, USA), Drachenzähmen leicht gemacht (2010, USA), Ice Age (2002, USA).
Mechanische Animation – Animationsvideo
Animatronics ist der Einsatz von Mechatronik, um Maschinen zu schaffen, die eher animiert als roboterhaft wirken.
Audio-Animatronics und Autonomatronics ist eine Form der Roboteranimation, kombiniert mit 3-D-Animation, erstellt von Walt Disney Imagineering für Shows und Attraktionen in Disney Themenparks bewegen und Lärm machen (in der Regel eine aufgezeichnete Rede oder Lied). Sie sind an das gebunden, was sie unterstützt. Sie können sitzen und stehen, und sie können nicht gehen. Ein Audio-Animatron unterscheidet sich von einem androiden Roboter dadurch, dass es voraufgezeichnete Bewegungen und Geräusche verwendet, anstatt auf äußere Reize zu reagieren. Im Jahr 2009 schuf Disney eine interaktive Version der Technologie namens Autonomatronics.
Linear Animation Generator ist eine Form der Animation mit statischen Bilderrahmen in einem Tunnel oder einer Welle installiert. Die Animationsillusion wird erzeugt, indem der Betrachter parallel zu den installierten Bilderrahmen in eine lineare Bewegung versetzt wird. Das Konzept und die technische Lösung wurden 2007 von Mihai Girlovan in Rumänien erfunden.
Chuckimation ist eine Art von Animation, die von den Machern der Fernsehserie Action League Now! in denen Charaktere / Requisiten geworfen werden, oder aus der Kamera geworfen oder herumgewirbelt werden, um das Sprechen mit unsichtbaren Händen zu simulieren.
Puppetry ist eine Form von Theater- oder Performance-Animation, die die Manipulation von Puppen beinhaltet. Es ist sehr alt und soll 3000 Jahre vor Christus entstanden sein. Puppetry nimmt viele Formen an, sie alle teilen den Prozess der Animation von unbelebten darstellenden Objekten. Puppenspiel wird in fast allen menschlichen Gesellschaften sowohl als Unterhaltung – in der Aufführung – als auch als Zeremoniell in Ritualen, Feiern und Karneval verwendet. Die meisten Puppenspiele beinhalten Geschichtenerzählen.
Toy Story zoetrope bei Disney California Adventure erzeugt Illusion von Bewegung mit Figuren, anstatt statische Bilder.
Zoetrop ist ein Gerät, das die Illusion der Bewegung aus einer schnellen Folge statischer Bilder erzeugt. Der Begriff Zoetrop ist von den griechischen Wörtern ζωή (zoē), was „lebendig, aktiv“ bedeutet, und τρόπος (tropos), was „wenden“ bedeutet, wobei „zoetrop“ bedeutet „aktive Drehung“ oder „Rad des Lebens“.
Andere Animationsstile, Techniken und Ansätze – Animationsvideo
Hydrotechnik: Eine Technik, die Licht, Wasser, Feuer, Nebel und Laser mit hochauflösenden Projektionen auf Nebelschirmen umfasst.
Gezeichnet auf Filmanimation: Eine Technik, bei der Filmmaterial erzeugt wird, indem die Bilder direkt auf Filmmaterial erstellt werden, zum Beispiel von Norman McLaren, Len Lye und Stan Brakhage.
Paint-on-Glass-Animation: Eine Technik zur Herstellung von Animationsfilmen durch Manipulation langsam trocknender Ölfarben auf Glasscheiben, zum Beispiel von Aleksandr Petrov.
Löschanimation: Eine Technik, die traditionelle 2D-Medien verwendet und im Laufe der Zeit fotografiert wird, während der Künstler das Bild manipuliert. So ist William Kentridge berühmt für seine Kohle-Lösch-Filme, und Piotr Dumała für seine Autoren-Technik, die Kratzer auf dem Putz animierte.
Pinscreen-Animation: Verwendet einen Bildschirm, der mit beweglichen Pins gefüllt ist, die durch Drücken eines Objekts auf den Bildschirm ein- oder ausgefahren werden können. Der Bildschirm wird von der Seite beleuchtet, sodass die Stifte Schatten werfen. Die Technik wurde verwendet, um Animationsfilme mit einer Reihe von Struktureffekten zu erstellen, die mit traditioneller Cel-Animation nur schwer zu erreichen sind.
Sandanimation: Sand wird auf einem von hinten oder vorne beleuchteten Stück Glas bewegt, um jedes Bild für einen Animationsfilm zu erzeugen. Dies erzeugt einen interessanten Effekt, wenn er wegen des Lichtkontrasts animiert wird.
Daumenkino: Ein Daumenkino (manchmal, vor allem in britischem Englisch, ein Filmbuch genannt) ist ein Buch mit einer Reihe von Bildern, die von einer Seite zur nächsten variieren, sodass die Bilder, wenn die Seiten schnell gedreht werden, erscheinen animiere, indem Sie Bewegung oder eine andere Veränderung simulierst. Flip-Bücher sind oft illustrierte Bücher für Kinder, sie sind auch auf Erwachsene ausgerichtet und verwenden eine Reihe von Fotografien anstelle von Zeichnungen. Flip-Bücher sind nicht immer separate Bücher, sie erscheinen als zusätzliches Feature in normalen Büchern oder Magazinen, oft in den Seitenecken. Softwarepakete und Websites sind ebenfalls verfügbar, die digitale Videodateien in maßgeschneiderte Daumenkinos umwandeln.
- Zeichenanimation
- Multi-skizzieren
- Spezialeffekte Animation
- Animator – Animationsvideo
Ein Animator ist ein Künstler, der eine visuelle Sequenz (oder audiovisuell, falls hinzugefügt) von mehreren sequenziellen Bildern erzeugt, die die Illusion von Bewegung erzeugen, dh eine Animation. Animationen sind derzeit in vielen Bereichen der Technik und Video, wie Kino, Fernsehen, Videospiele oder im Internet. Im Allgemeinen erfordern diese Arbeiten die Zusammenarbeit mehrerer Animateure. Die Methoden zum Erstellen dieser Bilder hängen vom Animator und Stil ab, den man erreichen möchte (mit Bildern, die vom Computer erzeugt werden, manuell …).
Animatoren können in Animatoren von Charakteren (Künstler, die auf die Bewegungen, Dialog und Handeln der Charaktere spezialisiert sind) und Animatoren von Spezialeffekten (zum Beispiel Fahrzeuge, Maschinen oder natürliche Phänomene wie Wasser, Schnee, Regen) aufgeteilt werden.
Produktion – Animationsvideo
Die Erstellung nicht-trivialer Animationswerke (d. H. Länger als ein paar Sekunden) hat sich als eine Form des Filmemachens mit bestimmten einzigartigen Aspekten entwickelt. Eigenschaften, die sowohl für Filme mit Live-Action als auch für Filme mit Animationsfilm gelten, sind Arbeitsintensität und hohe Produktionskosten.
Der wichtigste Unterschied ist, dass, sobald ein Film in der Produktionsphase ist, die Grenzkosten von einem Schuss für Animationsfilme höher sind als für Filme mit Live-Action. Es ist relativ einfach für einen Regisseur, während der Hauptaufnahme eines Live-Action-Films noch einmal nach einer Aufnahme zu fragen, aber jede Aufnahme eines Animationsfilms muss manuell von Animatoren gemacht werden (obwohl die Aufgabe, etwas andere Aufnahmen zu machen, weniger mühsam ist) durch moderne Computeranimation). Es ist sinnlos, dass ein Studio die Gehälter Dutzender Animateure bezahlt, um Wochen damit zu verbringen, eine visuell brillante Fünf-Minuten-Szene zu schaffen, wenn diese Szene die Handlung des Films nicht effektiv voranbringen kann. So begannen Animationsstudios, die mit Disney begannen, in den 1930er Jahren damit, Story – Abteilungen zu unterhalten, in denen Storyboard – Künstler jede einzelne Szene durch Storyboards entwickeln und den Film erst dann an die Animatoren übergeben, wenn das Produktionsteam überzeugt ist, dass alle Szenen Sinn ergeben ganze. Während Live-Action-Filme nun auch Storyboards sind, genießen sie mehr Spielraum, um von Storyboards abzuweichen (d. H. Realtime-Improvisation).
Ein anderes Problem, das nur bei Animationen auftreten kann, ist die Anforderung, die Konsistenz eines Films von Anfang bis Ende beizubehalten, auch wenn die Filme länger geworden sind und die Teams größer geworden sind. Animatoren müssen, wie alle Künstler, notwendigerweise individuelle Stile haben, müssen aber ihre Individualität in konsistenter Art und Weise dem Stil eines bestimmten Films unterordnen. Seit den frühen 1980er Jahren haben Teams von etwa 500 bis 600 Personen, von denen 50 bis 70 Animatoren sind, in der Regel Spielfilm-Animationsfilme erstellt. Es ist relativ einfach für zwei oder drei Künstler, ihre Stile anzupassen; die Synchronisation von Dutzenden von Künstlern ist schwieriger.
Dieses Problem wird normalerweise dadurch gelöst, dass eine separate Gruppe von visuellen Entwicklungskünstlern ein Gesamtbild und eine Palette für jeden Film entwickelt, bevor die Animation beginnt. Charakterdesigner des visuellen Entwicklungsteams zeichnen Modellblätter, um zu zeigen, wie jeder Charakter mit unterschiedlichen Gesichtsausdrücken aussehen sollte, die in verschiedenen Positionen präsentiert und aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden. Auf traditionell animierten Projekten wurden oft Maquetten geformt, um den Animateuren zu helfen, zu sehen, wie Charaktere aus verschiedenen Blickwinkeln aussehen würden.
Im Gegensatz zu Live-Action-Filmen wurden Animationsfilme traditionell jenseits der Synopsis-Stufe durch das Storyboard-Format entwickelt; Die Storyboard-Künstler würden dann Anerkennung dafür bekommen, dass sie den Film geschrieben haben. In den frühen 1960er Jahren begannen Animationsstudios, professionelle Drehbuchautoren einzustellen, um Drehbücher zu schreiben (während sie auch weiterhin Story-Abteilungen nutzten), und Drehbücher waren in den späten 1980er Jahren für Trickfilme gang und gäbe.
Kritik – Animationsvideo
Kritik an der Animation ist in den Medien und im Kino seit ihrer Gründung üblich. Mit seiner Popularität ist eine Menge Kritik entstanden, besonders animierte Spielfilmlänge. Viele Sorgen der kulturellen Repräsentation, psychologische Effekte auf Kinder sind um die Animationsindustrie erzogen worden, die seit seinem Anfang in der Hauptströmungskultur ziemlich politisch unverändert und stagniert geblieben ist.
Animation und Menschenrechte – Animationsvideo
Gegenwärtig wird Animation als eine Methode der Unterhaltung verwendet und eingesetzt, um bestimmte Aspekte der Gesellschaft zu kritisieren oder zu verteidigen. Die meisten dieser Projekte wurden für die Oscars nominiert oder sind im Internet viral geworden. So ist In a Heartbeat unter der Regie des Amerikaners Esteban Bravo und Beth David einer der Kandidaten, die bei den Oscars 2018 den Preis für den besten animierten Kurzfilm erhalten haben.
„In a Heartbeat“ handelt von einer Liebesgeschichte zwischen zwei Teenagern, da die Regisseure die Vorurteile gegenüber der LGBT-Community brechen wollten. Es ist eine kurze Animation ohne Dialog, in der das Herz von einem der Jungen flüchtet, um den anderen jungen Mann zu verfolgen. Der Kurzfilm hat bereits mehr als 32 Millionen Aufrufe auf YouTube und trotz seines Erfolgs hat er einige Kontroversen ausgelöst.
Auszeichnungen – Animationsvideo
Wie bei jeder anderen Art von Medien hat auch die Animation Preise für herausragende Leistungen in diesem Bereich vergeben. Die ursprünglichen Auszeichnungen für Animation wurden von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences für animierte Kurzfilme aus dem Jahr 1932 während der 5. Oscars verliehen. Der erste Gewinner des Academy Awards war die Kurzfassung Flowers and Trees , eine Produktion von Walt Disney Productions. Der Oscar für einen abendfüllenden Zeichentrickfilm wurde nur für das Jahr 2001 eingeführt und während der 74. Oscars 2002 verliehen. Er wurde von dem Film Shrek, der von DreamWorks und Pacific Data Images produziert wurde, gewonnen. Disney / Pixar haben die meisten Filme produziert, um entweder zu gewinnen oder für den Preis nominiert zu werden. Die Liste der beiden Auszeichnungen erhalten Sie hier:
- Oscar für das beste animierte Feature
- Oscar für den besten animierten Kurzfilm
Mehrere andere Länder haben einen Preis für den besten animierten Spielfilm im Rahmen ihrer nationalen Filmpreise vergeben: Africa Movie Academy Award für die beste Animation (seit 2008), BAFTA Award für den besten Animationsfilm (seit 2006), César Award für den besten Animationsfilm ( seit 2011), Golden Rooster Award für die beste Animation (seit 1981), Goya Award für den besten Animationsfilm (seit 1989), Japan Academy Preis für Animation des Jahres (seit 2007), National Film Award für den besten Animationsfilm (seit 2006) . Seit 2007 wurde der Asia Pacific Screen Award für den besten animierten Spielfilm bei den Asia Pacific Screen Awards verliehen. Seit 2009 verleiht der Europäische Filmpreis den Europäischen Filmpreis für den besten Animationsfilm.
Der Annie Award ist eine weitere Auszeichnung für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Animation. Im Gegensatz zu den Academy Awards werden die Annie Awards nur für Leistungen auf dem Gebiet der Animation und nicht für andere technische und künstlerische Bereiche vergeben. Sie wurden 1992 neu organisiert, um ein neues Feld für die beste animierte Funktion zu erstellen. Die Gewinner der 90er Jahre wurden von Walt Disney dominiert, jedoch haben neuere Studios, angeführt von Pixar & DreamWorks, begonnen, konsequent um diesen Preis zu kämpfen. Die Liste der Preisträger ist wie folgt:
- Annie Award für das beste animierte Feature
- Annie Award für das beste animierte kurze Thema
Annie Award für die beste animierte Fernsehproduktion: Animationsvideo